¡Saludos amig@s! Bienvenidos a otro “post” de Ediciones Pluma Verde. Aquí estamos, celebrando por partida doble, pues además de lanzar la versión “deluxe” de Gauguin’s Matriarchy, al fin llegó ayer el tan-esperado ejemplar “paperback” de East Meets West: How 36 Views Influenced Impressionism.
Hecho interesante: Habíamos (ehh… Ediciones Pluma Verde y yo, su humilde editora :P) mandado a pedir tres copias de autor para distribuir entre nuestros lectores, hace como 2 semanas atrás… ¡pero el paquete desapareció! 😱 Y no se volvió a saber más. Pues ni modo: esperemos que las tres copias hayan encontrado tres ávidos lectores, y que éstos rieguen la voz (y que nos dejen reviews o comments en los posts, jajaja…)
Como se puede apreciar en la página titular, se imprimió este ejemplar por Inkbrushmood Press, una subsidiaria de Pluma Verde—esperamos ahí publicar temas de arte-historia japonés, entre otros.
East Meets West: How 36 Views Influenced Impressionism, se encuentra disponible como libro-e para el Kindle a sólo $1.99 o en cubierta blanda a sólo $4.99, lo cual considero es buen precio para un recurso de este tipo. Tal vez amplíe su disponibilidad por otras tiendas en el futuro, pero de momento puede accederlo por edicionesplumaverde.com/hoku36
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“Te faatereraa hau a Gauguin”, dijo el ídolo al pie de la montaña.
Entonces desperté.—RL
No, no son palabras proféticas—al menos, no que yo sepa. Pero si describen en Tahitiano la más reciente obra de Robmarie López: Gauguin’sMatriarchy, un libro en el cual se analizan visualmente las obras Tahitianas—bueno, más bien polinesias, en general—del artista post-impresionista Paul Gauguin.
¿Quién era Paul Gauguin? Hay mil y una formas de contestar esta pregunta. Factualmente, empezaríamos por decir que era un artista francés del siglo 19. La historia de Gauguin es algo fascinante. De joven pasó su niñez en Perú, junto a su madre y su hermana. Su padre era un reportero radical quien tuvo que emigrar de Francia poco después de la revolución del 1848, año en que nació el muchacho quien fue el mentor de van Gogh, el fundador del simbolismo francés, y el célebre—aunque controversial—pintor de la sociedad polinesia durante el Fin de Siècle.
Es en base a este último punto donde comienza nuestra historia. Aunque Gauguin’sMatriarchy no es una obra de ficción, igualmente recorre la obra final del artista, iniciada durante los 1890s, partiendo de la premisa que su construcción (o deconstrucción, según fuera el caso) de la sociedad polinesia tiene mérito antropológico. Si bien no toda su obra puede ser vista de esta forma, sí existen ciertos cuadros cuyo acumen simbólico corresponde a un deseo real de comunicar los mitos y realidades pre-coloniales de Tahití y las islas polinesias. Pinturas como Tehamana Tiene Muchos Ancestros son ejemplo de esto: tal y como la pintura medieval intentó educar al público sobre realidades religiosas, Gauguin se valió de la comunicación visual para expresar los variados orígenes de la cultura polinesia, una cultura hoy reconocida por su gran proeza navegante.
En Gauguin’sMatriarchy, se analizan estas obras de corte introspectivo, enfocándose el análisis en la concepción de la mujer Tahitiana como una Eva bíblica, antes de la caída: libre, apoderada, encarnación de Vairaumati, “la primera mujer”; quien se convirtiera en la diosa de belleza que inspiró la formación de los areoi, un culto espiritual donde hombre y mujer dedicaban sus vidas a conservar la memoria cultural de las Polinesias.
Según el mito polinesio—al menos, según lo contaba Gauguin— la regente de Vairaumati y todos los polinesios era Hina, diosa de la Luna y contraparte del dios Taaroa, el dios creador. Si bien el culto de Taaroa se transformó en el culto a Tane, un dios “más práctico,” según historiadores (también enfocado en la belleza, aunque bien regía la guerra), el culto a Hina se mantuvo sutil pero constante, reconocido en dichos como “el primer marido de la mujer es la luna,” y en el diario vivir; responde al calendario y a la disposición del clima y de los tiempos: “Según disponga Hina del mar, Hina de la tierra...”
Aunque no existe una verdad absoluta sobre los mitos polinesios, fue con este entendimiento que Gauguin se acercó a su obra visual y escrita, pues fue en Noa Noa donde el artista inicialmente compartió el origen mitológico de los polinesios, así como otros eventos de significancia artística y personal. Por ejemplo, Le repas (dit aussi <<les bananes>>), parece reflejar una experiencia descrita en Noa Noa. Algunos meses después de llegar a Tahití, Gauguin se encontró pasando hambre, cuestionando la sabiduría de emprender tal viaje—en efecto, persiguiendo el sueño de establecer un “estudio tropical,” inspirado tanto por carácter artístico como por la insaciable curiosidad histórica-cultural “primitiva” de sus tiempos. Pues, en medio de su hambruna, apareció un vecino Tahitiano invitándolo a comer en su casa. Gauguin se negó, “por orgullo,” aunque apreció el gesto.
Al rato escuchó a alguien en las afueras del hogar. Al abrir la puerta, vio a la hija del tahitiano alejarse, dejándole un plato de comida. El gesto inspiró gratitud en Gauguin, así como mayor reflexión sobre la naturaleza de lo salvaje, de lo “primitivo” con lo cual se identificaba. “Al igual que nosotros los consideramos ‘primitivos,’ también ellos me consideran a mi como un salvaje,” dijo Gauguin, quien en ese momento cuestionaba su habilidad para valerse por sí mismo. Sobrevivir no era tan simple como tomar una fruta de un árbol.
Paul Gauguin, La Comida (dicho también como Los Guineos), 1891, óleo sobre canvas. Musée d’Orsay.
Podemos observar una alusión a la muchacha y al plato en La Comida, obra cual además resalta la centralidad de la mujer (o de lo femenino como fuente de sustento biológico y cultural. Los varones miran a la muchacha al centro del cuadro, reconociendo su importancia. Hay varias formas de interpretar este gesto y la escena en general. Pero los símbolos que la rodean—el caldero lleno de agua, la mujer sentada al fondo, el racimo de guineos–parecen aludir al origen de la vida misma.
Incluso el contorno jeroglífico de la mujer sentada parece aludir a las tabletas rongorongo “descubiertas” en la Isla de Pascua por los franceses en los 1860s. Tal isla, conocida como “Rapa nui” por los polinesios, fue poblada por ellos entre 800-1200AD—un hecho impresionante puesto a que realizaron la gran emigración desde Las Marquesas. Por tanto, la hazaña apoya el panculturalismo de los polinesios, quienes poblaron grandes tractos del Pacífico, y que aún conservan su esencia cultural cohesivamente, compartiendo un “inconsciente colectivo” fascinante, que ocasionalmente sube a tomar aire en las obras de Gauguin.
En Gauguin’sMatriarchy (“El Matriarcado de Gauguin”) se discute esta obra y otras con más profundidad.
Mientras esperamos el lanzamiento del libro “oficialmente” a través de Cambridge Scholars Publishing, puede conseguir una versión “deluxe” o “de coleccionista,” a $35 por tiempo limitado en edicionesplumaverde.com/gauguin. Esta versión tiene divisores de capítulos en “full color” y algunos análisis extra que hacen de este libro una buena inversión. La disponibilidad de esta versión puede cambiar una vez se lance por Cambridge Scholars Publishing (no afiliada a Ediciones Pluma Verde), por eso recomendamos que haga buen uso de su disponibilidad.
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¡Finalmente! Si desea conocer más acerca de la teoría con la cual se analizaron los cuadros, puede acceder libremente a dos artículos académicos:
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Disponible como libro digital o cubierta blanda por Amazon / Smashwords / Ediciones Pluma Verde
¡Saludos amig@s! Bienvenidos a otro “post” de Ediciones Pluma Verde. En esta edición, compartimos buenas noticias: el lanzamiento del libro East Meets West: How 36 Views Influenced Impressionism por “esta servidora”: Robmarie López.
Si es fanático del arte japonés o incluso del arte impresionista—los lotos de Monet, por ejemplo—tal vez le interese saber que el artista Katsushika Hokusai (de quien he hablado anteriormente) fue una de las influencias más prevalentes sobre el arte europeo moderno del siglo XIX. Los 1800s fueron años de expansión comercial y cultural, tanto para el Oeste como para Asia. Aunque Japón mantenía una cultura hermética, ya habían establecido contacto con los Holandeses para finales del siglo XVIII, lo cual inició en Japón una gran curiosidad por todo lo Holandés o Europeo. Surgió una escuela de arte llamada “Estudios Holandeses,” donde artistas Japoneses estudiaban a profundidad el arte Holandés, tanto fino como ilustrado en libros de ciencia. En base a estos estudios, Japón permitió el importe de tecnologías Holandesas (aunque más bien Europeas, en sentido general) como el microscopio y el telescopio, ambas cuales el renombrado artista se entusiasmó por conocer.
Esta relación comercial entre Holanda y Japón de veras floreció cuando comenzaron a importar tintes azules, conocidos como Prussian Blue o bero ai, cuales resaltaron considerablemente los cielos diurnos plasmados en los impresos de Hokusai y sus contemporáneos. Previo a la llegada de este tinte, se utilizaban tintes naturales basados en plantas, cuales rápidamente perdían su matiz. En fin, tal fue el entusiasmo por estos tintes que surgió un movimiento de impresos “ukiyo-e” llamados “azuri-e”, o impresos en tinta azul. Estos impresos también derivaban inspiración del arte clásico de la China, y es fácil imaginar cómo las icónicas porcelanas azules y blancas pudieron haber mediado este arte Japonés.
Katsushika Hokusai, Impresión #17 de Treintiseis Vistas de Mt. Fuji (“Thirty-Six Views of Mt. Fuji”), c. 1830, impreso en bloque de madera. Dominio público.
La impresión #17 de esta serie es un buen ejemplo tanto del azuri-e como de una escena proto-impresionista. Uno de las características de este movimiento artístico es su enfoque en ilustrar una escena particular durante un momento específico del día. Por tanto, proliferan las mismas escenas vistas en la mañana o en la tarde—e incluso de noche, como los “prints” de Kiyochika, quien se convertiría en uno de los principales exponentes del impresionismo japonés a finales del siglo XIX.
Kobayashi Kiyochika, Fireworks at Ikenohata, 1881, impreso en bloque de madera. The Met.Katsushika Hokusai, Impresión #17 (Alterna) de la serie Treintiseis Vistas de Mt. Fuji, c. 1830. Nótese que aquí el uso de color es más variado y prominente, sugiriendo un amanecer.
Si bien el impresionismo como tal evolucionó en Francia durante los 1880s, en la obra de Hokusai comenzamos a ver esta preocupación por la escena tal y como corresponde a un momento particular del día, con todas sus implicaciones.
Si bien la influencia del “japonismo,” como se le llegó a conocer, está bien documentada en la historia del arte, la influencia precisa de la obra de Hokusai sobre artistas específicos como Monet y Whistler tiende a ser menos discutida. Tal es la meta de este libro: iniciar la discusión sobre el impacto de esta reveladora serie de impresos, que—más allá de revolucionar las técnicas del arte europeo del siglo XIX—también plasma las ansiedades de Japón durante las décadas previas a su apertura internacional.
Cambio hecho: Se actualizó información sobre “Dutch Studies” en la página 42. El estudio holandés científico comenzó en el siglo 17, mientras que en el arte pasó más tarde: después del 1750.
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¡Saludos amig@s! Pasando por aquí para compartir una actualización breve pero importante: Puede descargar Collage 26 para el Kindle, GRATIS hasta el 28 de mayo, por Amazon!
También tenemos el paperback disponible x $14.99. ¡Tómese un “break” de lo digital con una mini-exhibición encuadernada!
Prints de Collage26 ahora disponibles en pluma-verde.framer.art. “Mock-up”/Imagen de ejemplo generada por Framer.
Pluma Verde celebra el lanzamiento de Collage 26 con algunos impresos disponibles en pluma-verde.framer.art.
Tamaños empiezan desde 8” x 8” hasta 20” x 20”, lo cual convertiría el print como una verdadera vista a otro mundo.
Wind Ma, Floating, 2025-26, enmarcada en negro. Fuente: pluma-verde.framer.art. Imagen de ejemplo generada por Framer.Wind Ma, Picasso’sSchedule, 2025-26, collage (papel de revista e impreso en papel pastel). Luego de ser completado, el collage fue escaneado y retocado como una foto en Adobe Photoshop. El impreso se encuentra disponible a través de pluma-verde.framer.art. Imagen de ejemplo generada por Framer.
Como ven, el marco también viene en blanco. Sabía usted que el blanco ayuda a reflejar la luz? Y por ende, escoger un marco blanco para un impreso como Picasso’sSchedule lo haría resaltar.
(Y si le quiere añadir una dimensión filosófica, considere que el artista ruso vanguardista Kazimir Malevich consideraba el blanco como representativo de la vastedad del espacio…)
Finalmente, les dejo una copia de Collage 26, a modo de “preview”:
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Alguna vez se ha sentido transportado a otro mundo por una foto? Tal vez sería más acertado preguntar quien no lo haya sido. Tanto vistas conocidas como vistas lejanas nos invitan a soñar.
En Collage 26, la artista contemporánea Wind Ma nos invita a soñar compartiendo vistas de sus travesías, con la particularidad de que algunas de estas vistas existen entre el mundo externo y el interior. Wind no se limita a compartir su fotografía, sino que intercala estas vistas francas de su realidad cotidiana con collages que parecen como fotografías de su interior. O más bien, como la interpretación de algún momento perdido en el tiempo.
Puntuadas por luz o distorsión, las fotos de Wind enlazan la experiencia inusual de un momento “en vivo” con aquella que co-emerge en el interior. Aunque lo mismo surge al reverso: el collage precede la foto, como concepto que enaltece la realidad inmediata.
En el prólogo de Collage 26, Wind comparte un poco acerca de su inspiración:
The inspiration for “Collage 26” surged when I began working on a series of collages sometime in December 2025. I had worked on-and-off with collage for some years. It is a medium which inspires me to visit dreamworlds as I would contemporary places; to think of shaping forms in photorealistic terms.
En esencia, el “collage” como medio actúa como mediador, cual Charón en Hades, ayudando a la artista a cruzar del mundo observable hacia un mundo interno vivamente sensorial. Pueden considerarse entonces sus travesías sobre papel como una especie de orfismo fotorealista.
¡Saludos amig@s! Hace unas semanas que no paso por aquí, aunque con buena razón: ¡he estado ocupada laborando!
Por tanto, todos los servicios se encuentran en pausa hasta nuevo aviso. Aunque si tiene alguna pregunta, no dude en comunicarse a ed*****************@***il.com.
Por otra parte, traigo buenas noticias: Una de mis obras, titulada “Cine Poético” (Poetic Cinema), ¡ha sido publicada en la revista académica PJAS!
Robmarie López, Poetic Cinema, 2025, mixed media (acrylic on watercolor paper/edited in Adobe Photoshop). Source: PJAS
Es un momento bastante surreal para mi, pues aunque el arte es más bien una afición, siempre la he considerado como fuente vital, re-energizante en mi vida. Además, ¡entusiasma el apoyo recibido de parte de una revista! 😀 Así que “nos permitimos celebrar” este momento, tan efímero como el cine poético.
Como si eso no fuera suficiente, PJAS me permitió compartir algunas palabras referente a la obra y a mi trasfondo como artista. Si bien considero la etiqueta de artista algo muy grande para mí(más bien soy una persona que ocasionalmente practica el arte), igual agradezco de sobremanera la oportunidad para compartir algunas ideas acerca del arte y de la vida.
Robmarie López, “Acerca de Poetic Cinema“, 2025, PJAS.
¡Pues! Qué bueno que al fin se me dió este sueño loco, que ocasionalmente me permito experimentar. Son esos logros aledaños que terminan siendo esenciales en la vida.
Y para celebrar (y concluir), comparto que impresos de esta obra, ¡están disponible para la venta en pluma-verde.framer.art! Además, puede encontrar impresos en papel fotográfico de algunas obras incluidas en los libros publicados.
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Por el momento, se ofrecen tres paquetes: Básico, Estándar y Completo. Todos incluyen por definición la revisión estructural. Además, se verifica el plagio para todos los ensayos.
Incluye la revisión general del artículo + edición estructural–entiéndase como la revisión de “cómo fluye” la narrativa; la claridad y consistencia de tono y estilo. Una vez revisado el texto, se hacen recomendaciones en base a la evaluación de estructura. Cubre textos de hasta 2300 palabras por $100, pero puede añadir más servicios según sea necesario.
Incluye revisión general, edición estructural + revisión línea x línea del texto. O sea, incluye la revisión básica más edición específica de todos los aspectos del texto, ¡incluyendo imágenes! Cubre textos de hasta 6300 palabras por $375, pero puede añadir más palabras según sea necesario ($5 por cada 500 palabras).
Incluye todos los servicios de la edición estándar + la re-escritura de partes del texto. Buena opción para textos iniciales, pues se benefician de una revisión comprensiva. Cubre artículos de hasta 11500 palabras por $575–sin embargo, puede añadir más palabras por un costo adicional ($5 x 500 palabras).
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El plan básico incluye ediciones relativamente simples: ajustes de tamaño (“resizing” o “cropping”), eliminación de manchas, y modificaciones correctivas leves comenzando a un dólar por foto. Se edita un máximo de 50 fotos al día. Se ajusta el precio en base a la cantidad de fotos — envíe un mensaje a ed*****************@***il.com o través de Fiverr para más información.
El plan intermedio o “standard” incluye ajustes de color más complejos, retoque de perfiles, efectos y demás a $2.15 por foto, para un máximo de 30 fotos editadas en un día.
Ejemplo de una edición de foto intermedia o “standard”. Como puede apreciarse, la edición incluyó la eliminación de manchas, ajustes de tono y color, y edición de composición. Puede ordenar un paquete standard a través de Fiverr.
El plan avanzado incluye el desarrollo de compuestos (“composites”), efectos artísticos complejos y demás para un máximo de 25 fotos al día a $5 por foto. Esta opción es ideal para “photoshoots” o productos e-commerce. ¡Fotos adicionales a sólo un dólar! Puede pedir sus ediciones a través de Fiverr.
Ejemplo de una imagen compuesta con integración de marca. Imagen por Ediciones Pluma Verde.
Diseño de Cubierta de Libros
También está oficialmente activo el servicio de diseño de cubierta de libros. Este servicio es ideal para el autor que publica independientemente. Escribir y editar un libro, de por sí, no es tarea fácil. ¡Imagínese también tener que lidiar con la tarea monumental de diseñar una cubierta! Aunque existen servicios gratuitos como Canva, el resultado final no queda tan personalizado como una cubierta diseñada profesionalmente.
En lugar de preocuparse, revise los paquetes de diseño disponibles para la cubierta de su libro, a través de Fiverr, ¡comenzando desde $250! Todos los paquetes incluyen versiones para e-book y libro impreso.
El paquete completo incluye imágenes de promoción para el libro, algo así como esta imagen, diseñada para Blue Sky:
Promoción para Tropiflexión por Mangotina Alcanflor — que, dicho sea de paso, puede obtener a mitad de precio a través de Smashwords utilizando el código TROPIPRIDE25 al completar la orden. ¡Válido durante todo el mes de junio 2025!
Para información adicional, no dude en escribirme a ed*****************@***il.com.
